CRY MACHO by Clint Eastwood – Il dietro le quinte
Aspetto questo film con più ansia di una futura madre che attende suo figlio.
Cosa resterà di questo Venezia 78?
Le immagini, i premiati (che dovreste oramai conoscere, essendo trascorse circa 24h dal fiero annuncio dei winners), i più bei filmati. Le migliori passere(lle).
E questo è quanto. Anzi no, rimarranno agli annali il sig. Roberto Benigni e mrs. Jamie Lee Curtis. Con Gianni Canova, straordinario moderatore eccelso, a gestire la non facile MasterClass col nostro premio Oscar & nuovissimo Leone doratissimo alla carriera, ovvero Roberto Benigni. Il quale, nella sua non eccezionale conferenza, disse molte cose vere e illuminanti, alternandole ad altre davvero imbarazzanti. Con buona pace di Federico Fellini, nel 2021, infatti sostenere ancora che il suddetto regista sopravvalutatissimo, natio di Rimini, sia il più grande del mondo, ah ah, fa veramente morire dal ridere, a proposito di cose sincere. Basta coi patriottismi italici, dunque, smettiamola con la magnificazione sterile di noi stessi e soprattutto finiamola di celebrare nostalgicamente e in modo patetico le elegie agiografiche da Amarcord stantii, figli di uomini provinciali che, se paragonati al menzionato Orson Welles e messi a confronto con costui, cioè the greatest, risultano oggettivamente e indubbiamente delle scamorze tristissime. La dovremmo anche finire con la coppia da minestra riscaldata formata da Ben Affleck e dalla scaricatrice di porno, no, di porto par excellence, J. Lo. Una donna e attrice incapace, moscissima. Ma siamo sicuri che sia moscio? No, volevo dire non più stimolante?
Su questo dubbio insulso e più retorico de La vita è bella e de La dolce vita, vi lascio, con tanto di faccia da culo più assicurato del pianeta Terra.
SNIFF, il nuovo di Taylor Hackford, cioè il regista de L’avvocato del diavolo with Helen Mirren, ovviamente AL PACINO, Danny DeVito & Morgan Freeman
From DEADLINE:
In what becomes the first hot package to be unveiled as part of the Toronto International Film Festival market, Oscar winners Morgan Freeman, Al Pacino, Helen Mirren, and Oscar nominee Danny DeVito are set to star in Sniff, a stylish reinvention of the film noir genre that will be directed by Oscar winner Taylor Hackford. Endeavor Content will launch worldwide sales at TIFF, with CAA Media Finance co-repping U.S. rights.
In the Tom Grey-scripted film, two residents die under suspicious circumstances in a high-end luxury retirement community. Retired detective Joe Mulwray (Freeman) is pulled back into the action by his former partner William Keys (DeVito), and they uncover a hidden underworld of sex, drugs and murder in the wealthy community controlled by kingpin Harvey Stride (Pacino), and his femme fatale enforcer, The Spider (Mirren). Sniff is an acronym for Senior Nursing Institute & Family Foundation.
Adam Goodman and Matt Skiena will produce through their Dichotomy Creative Group, along with Hackford through his Anvil Films production shingle. Grey will be executive producer.
“I have always been a big fan of film noir but haven’t really made one, though I did make Against All Odds,” said Hackford. “That was a remake of Out of the Past, which is one of the best film noirs ever. I didn’t want to make a shot for shot redo of that, but took it as inspiration. Adam and Matt Skiena sent me the script, over the transom to my agent, and I was delighted. First-time screenwriter who has amazing style and conceptually understands what makes film noir stick. The whole concept of setting a film noir in an upscale retirement community … these are proliferating all over the United States as the baby boomer generation gets to retirement. There’s a lot of money, and people want to live in a beautiful setting. Those are on the brochures, but what Tom Grey did was show what was lurking below the surface. I thought it was a brilliant idea and he understood the nature of good noir — the dark story, the incredibly twisted characters — and I thought he had a great handle. Adam and Matt said, ‘It’s yours if you want to run with it.’ I met the writer, Tom Grey, we clicked and worked on it together, him writing and me putting ideas in.
“When you have something that’s original, I asked him, ‘Who did you have in mind when you wrote it?’ He said Morgan Freeman as the detective at the end of his rope, the main nemesis Al Pacino, the femme fatale Helen Mirren — an actor I know quite well,” her husband, Hackford, added. “I said, ‘How about the ex-partner?’ He said Danny DeVito. Well, these are all people I know. I’ve worked with Al, Helen, Danny is a friend, and Morgan I know, and he’s always been looking for something to do with Helen. He’s told me that. I said, ‘I’m going to try and make your dream come true.’ Luckily, what I’d read on the page fit those actors.”
From there, it was not only about making peoples’ schedules work but form-fitting the roles for the elite cast.
“When I did Devil’s Advocate with Al, he turned it down four times,” Hackford recalled. “And Tony Gilroy and I just kept changing and adding scenes. Al isn’t easy. It was a redo of that Devil’s Advocate experience. We gave it to Al and he said, ‘I don’t know if it’s for me.’ I kept saying Al, it is for you, and we kept making changes and now Al think he’s got the best role in the film. Danny is a very good director and a wonderful actor, but none of these people are easy, but I think the idea of all of use collaborating together, I think is going to be delicious. And everybody has a role deserving of their talent.”
Hackford’s ambition is to give the noir genre the kind of jumpstart that Knives Out did to the whodunit.
“Usually you don’t want to mention other films and this has nothing to do with that film in terms of story,” Hackford said. “But I loved what Rian Johnson did in terms of taking an old genre, the whodunit, and spicing it up with life and making it real in the contemporary situation. That’s what I have in mind for Sniff in the film noir. There is a stylistic quotient in the writing and the characters that gives the audience light. There is an enjoyment in film noir, especially when you get a Bogart, a Mitchum, somebody who knows how to deliver great dialogue. That’s what Tom wrote and I think it will be fun with the actors. At its core, I’m serious about film noir and that it gets dark and difficult. There will be laughs and smiles in the film, but as it goes, it gets darker and darker, and it pays off. If you are using film noir and it doesn’t pay off in a very climactic way, it becomes a euphemistic use of that turn and this is not that. We’ve got great racehorses on a really interesting track and when that happens, there is potential if I do my job, to turn out a memorable film.”
Producer Goodman said the goal is for the film to begin production by the end of the first quarter of 2022. “The dream is to have the film available for the fourth quarter of 2022,” he said. “Adult audiences are wildly underserved right now, and it feels like there is a great opportunity here. This film can play broadly but it can be a real event for that community. We really haven’t seen this type of cast since the Ocean’s Eleven movies.”
Freeman is repped by CAA and Sloane, Offer; Mirren is represented by CAA; Pacino is repped by CAA and Hansen, Jacobson; DeVito is repped by CAA and Behr Abramson Levy; and Hackford is CAA.
IL COLLEZIONISTA DI CARTE, recensione
Ebbene, oggi recensiamo la nuova, elegante opus di Paul Schrader (First Reformed – La creazione a rischio), da lui stesso scritta così come soventemente avviene regolarmente, ovvero Il collezionista di carte (The Card Counter). Il collezionista di carte è stato recentissimamente presentato in Concorso alla 78.a Mostra Internazionale d’Arte Cinematografica di Venezia, più precisamente nella giornata dello scorso 2 Settembre, dì nel quale fu mostrata in anteprima mondiale assoluta alla stampa e al pubblico, riscontrando immantinente pareri decisamente lusinghieri. Tant’è che ha ottenuto subito su metacritic.com, celeberrimo sito aggregatore delle recensioni, una superba media equivalente all’83% di opinioni altamente onorevoli.
Nella giornata successiva al 2 settembre, cioè il 3, Il collezionista di carte è stato altresì distribuito, tramite la Lucky Red, sui nostri grandi schermi. Dunque, la sua acclamata presentazione, in quel della kermesse succitata, è avvenuta pressoché in contemporanea con la sua uscita nelle sale nostrane.
Film della considerevole eppur mai annoiante, sebbene a tratti soporifera, durata di un’ora e quarantanove minuti tesi, spasmodici, adrenalinici e intrisi di fortissima tensione palpabile dall’inizio alla fine, Il collezionista di carte è un thriller di pregiata fattura assai raffinata, mescolato a una vicenda torbidamente drammatica impegnata e a sua volta impregnata, potremmo dire, persino di roboanti, egregiamente filmate scene robustamente action, il tutto sapidamente diluito e, attraverso una traslucida fotografia ad opera d’un ispirato Alexander Dynan, il quale gioca magistralmente coi tenebrosi contrasti chiaroscurali di soffuse luci al neon imperterrite e persistenti, sottilmente permeato da lugubri atmosfere tetrissime ed emananti suspense avvincente. Un film inquietante, morboso, in perfetta linea con la poetica angosciosa del tormentato Schrader. Qui patrocinato dal suo eterno amico Martin Scorsese per il quale, come sappiamo, insuperabilmente sceneggiò quattro suoi capolavori impareggiabili, vale a dire l’immortale, epocale, sempiterno e immenso Taxi Driver, Toro scatenato, il controverso eppur sopraffino L’ultima tentazione di Cristo e Al di là della vita, altra pellicola superlativa seppur, a tutt’oggi, inspiegabilmente sottovalutata, addirittura quasi misconosciuta.
Trama: il misterioso William Tell (un Oscar Isaac in formissima) è un vizioso, incallito, mediocre eppur al contempo professionista giocatore d’azzardo che disperatamente tenta di vivacchiare e sbarcare il lunario, nell’augurio suo profondo di poter quanto prima mettere a segno una mano fortunatamente vincente delle più economicamente cospicue. Forse essa misteriosamente avverrà finalmente? Tell è reduce da tantissimi anni di carcere. In cui fu duramente detenuto a causa delle sue perenni violazioni ai diritti umani, concernenti in particolar modo il cosiddetto, tristemente famoso Scandalo di Abu Ghraib. Durante una sua nottata brava, diciamo così, incontra per pura fatalità una dark lady fascinosa e sensualissima, La Linda (una Tiffany Haddish mai così sexy e, per l’appunto, irresistibilmente fatalona).
Però, al contempo e imponderabilmente, Tell avvista di lì a poco, durante una convention della polizia, il suo ex capo istruttore dell’esercito, il bieco e torvo maggiore John Gordo (il solito luciferino, bravissimo Willem Dafoe che compare però pochissimo). Il quale, pur essendosi macchiato delle stesse imperdonabili, se non superiori, colpe per cui Tell fu incarcerato, soffrendo pene dell’inferno e vivendo un disumano calvario sterminato dei più terribili e violenti, a differenza di Tell, in assenza di prove schiaccianti o forse per via della sua posizione intoccabile, non fu mai davvero riconosciuto colpevole e quindi ingiustamente visse sempre liberamente. Ciò scatena in Tell una comprensibile, inarrestabile rabbia silenziosa e un feroce, potentissimo rimorso ineluttabile dei più indomabili, soprattutto riaziona, nel suo ferito e giammai cicatrizzato cuore affranto, tutta una tormentosa, penosa marea di dolorosi ricordi che aveva apparentemente rimosso e obliato, seppellendoli nel suo inconscio che pareva aver tranquillizzato. Al che, il suo funesto passato, illusoriamente insabbiatosi nel suo animo all’apparenza acquietato, riemerge via via maggiormente in modo assillante e indelebile, affliggendolo vita natural durante in modo martoriante e non raffrenabile.
Uno Schrader cristallino al cento per cento. Cioè, a tutti gli effetti, in maniera inconfutabile, Il collezionista di carte rappresenta l’ennesima sintesi, nel bene o nel male, della poetica schraderiana al suo zenit, innestata e incentrata sulla colpa, sull’intimo e ricercato, osteggiato desiderio di riscatto da un passato dal quale pare non ci si riesca mai a sganciare veramente, sulla futilità del destino impervio che viene sempre boicottato da strani e assurdi eventi che tale passato rievocano invece continuamente, frantumando perennemente ogni buon proposito di catarsi redentiva e d’emotiva, sfiorata, a malapena afferrata acquiescenza riagguantata solo fugacemente, rimarchiamolo, in modo effimero.
Oscar Isaac, qui per la prima volta in assoluto diretto da Schrader, è magnetico e trova un ruolo cucitogli su misura in cui viene valorizzato il suo sfuggente, torpido, malato sguardo seducente e, per l’appunto, perfino esistenzialmente ambivalente. Sì, perché il suo Tell è una sorta di conte di Montecristo ante litteram, collocato in una storia differente ma analoga al capolavoro appena sopra citato, vale a dire in originale Le Comte de Monte-Cristo, di Alexandre Dumas. Una specie, difatti, di Edmond Dantès che forse trova, nel personaggio incarnato dalla Haddish, la donna della sua possibile redenzione, altresì però, per colpa del fato avverso, egli non può dimenticare il perturbante fantasma d’un crudele Fernand Montego simbolizzato dallo spettro sempre più diabolicamente vivo eppur ectoplasmatico del character di Willem Dafoe (oramai presenza quasi immancabile per Schrader, tant’è che le loro collaborazioni, da Affliction in poi, non sono più enumerabili).
In verità, senza spoilerare, è William Tell ossessionato da Gordo oppure, rispetto a lui, lo è molto di più Cirk (Tye Sheridan)? E qui ovviamente ci plachiamo per non svelarvi altro.
Dunque, Il collezionista di carte è un film imperdibile per gli aficionado di Schrader. I quali non mancheranno certamente d’osannare, addirittura sopravvalutare, tale sua prova registica. In quanto, come detto, contiene perfettamente ogni crisma e stilema del suo Cinema.
Il collezionista di carte invece sarà respinto e poco amato da chi, di contraltare, forse non a torto, continua a reputare Schrader forse più bravo come sceneggiatore (vedasi quando i suoi script sono, per l’appunto, filtrati dall’occhio registico di Scorsese) piuttosto che come cineastico metteur en scène.
Perché, a ben vedere, per quanto siano diversificate negli sviluppi, le sue pellicole girano sempre, probabilmente poco inventivamente, sulle sue solite mai rinnovatesi ossessioni solipsistiche che, alla lunga, hanno onestamente un po’ stancato o potrebbero risultare, per l’appunto, monotone oltre che inflazionate e figlie d’un Cinema vecchio e stantio, ricolmo di troppe metafore scontate e oramai esageratamente affrontate dallo stesso Schrader.
Comunque, detto questo, tralasciando le dietrologie riguardanti la ripetitività, a livello esclusivamente tematico, di Schrader, Il collezionista di carte è un oggetto filmico oggettivamente affascinante. Che colpisce almeno in due sequenze oniriche altamente vertiginose.
Perciò, sebbene non lo consideriamo affatto un grande film, a differenza della maggioranza dell’intellighenzia critica che, come sopra dettovi, lo sta fortemente acclamando, non possiamo esimerci dal valutarlo positivamente, soprattutto consigliandovelo immediatamente, nonostante più di una nostra ragionata e ponderata, ragionevole riserva.
Grande coppia, comunque, Oscar ed Elvira Lind.
di Stefano Falotico
MADRES PARALELAS, recensione
Ebbene, dopo un’interminabile attesa e malgrado alcuni forti disagi ravvisati a livello organizzativo, è iniziata finalmente la 78.a Mostra Internazionale d’Arte Cinematografica di Venezia che ha inaugurato con la nuova opus del celebrato settantunenne Pedro Almodóvar, ovvero Madres paralelas.
Madres paralelas del grande Pedro, regista che, di certo, oramai non ha più bisogno di presentazioni, in prossimità del suo vicinissimo compleanno che cadrà in data 25 Settembre del mese per l’appunto corrente, indiscusso e sacrosanto premio Oscar alla miglior sceneggiatura originale per Parla con lei e autore di straordinarie opere altresì altamente controverse ma al contempo perennemente contrassegnate dalla sua poetica inconfondibile e dalla sua distinta cifra stilistica che, forse soltanto alla pari di Woody Allen, ne fanno uno dei pochissimi cineasti al mondo i cui film sono perfettamente riconoscibili anche solo dopo pochissimi fotogrammi. Parimenti ad Allen, Pedro dirige e scrive i suoi film pressoché basandosi esclusivamente su materiale estremamente originale, nel suo caso più che peculiare. Pedro Almodóvar, peraltro recentissimamente onorato, cioè soltanto due anni fa, esattamente alla kermesse del Lido, col Leone d’oro alla carriera.
Con Madres paralelas, ovviamente, non smentisce la sua fama di cineasta fedelissimo alla propria lucidissima visione cinematografica inconfutabilmente personale.
Madres paralelas, in Concorso a tale settantottesima edizione del Festival di Venezia, ha dunque aperto le danze dell’appena succitata manifestazione. Colpendo forte allo stomaco, così come sovente accade con ogni pellicola di Almodóvar, con una strana, contorta, fascinosamente perversa, tipica sua vicenda torbidamente generata dal suo più o meno altalenante talento registico che, fra colpi di scena sorprendenti intervallati ad altri forse leggermente telefonati, eppur sempre efficaci, fra l’esplodere grottesco e improvviso dell’inevitabile dark humor emblematico del suo Cinema a fortissime tinte melodrammatiche a loro volta intarsiate e centrifugate in un vortice di vigorose emozioni veracemente incredibili, a prescindere dai gusti, come di consueto c’ha ipnotizzato e incollato allo schermo per due ore nette di pura follia, perfino sfiziosamente malsana, intrisa di parentesi esilaranti, mixata a struggente eleganza di rara delicatezza visiva e, per l’appunto, emotivamente toccante e spiazzante.
Madres paralelas, se volessimo sintetizzarlo brevemente per quanto concerne la trama (compito sempre comunque arduo nel caso di Pedro Almodóvar poiché, inutile rimarcarlo, ogni suo film contiene, al suo interno, una miriade di micro-storie incastrate a mo’ di matriosche e arzigogolate sotto-tracce a prima vista imprevedibili), narra della rocambolesca, amabile e allo stesso tempo assai dolorosa e forse rivelatrice avventura esistenziale di due donne di Madrid, cioè la fotografa Janis (Penélope Cruz) e della minorenne Ana (Milena Smit). Entrambe rimaste incinte e, per curiosa fatalità del destino loro strambo, all’unisono partorenti, nella stanza d’ospedale, due splendide neonate. Terminato il parto, le strade delle due donne, distanti per età anagrafiche e per background sociale, paiono naturalmente allontanarsi, dato che, al di là dell’estemporanea contingenza per cui condivisero la stessa esperienza del vivere la gioia della maternità nel suo attimo più prodigioso, erano e sono perfette estranee sotto ogni punto di vista. Forse, durante il loro scioccante e perturbante percorso di vita, i loro destini però nuovamente s’incroceranno in modo all’inizio disturbante e poi, via via, sempre più avvicinante i loro senzienti, sussultanti cuori in modo appassionante. Non finisce qui, in questo melò straordinario, un ruolo più che determinante l’avrà Arturo (Israel Elejalde), esperto di scavi archeologici, mentre l’insospettabile, eterna aspirante attrice di Teatro di nome Teresa (l’indimenticabile e qui rediviva Aitana Sánchez-Gijón, Il profumo del mosto selvatico, ancora incantevole e bellissima), forse, nasconde non pochi scheletri nell’armadio. Infine, chi è davvero Ana?
In verità, nessuno di noi è quello che sembra in quanto Pedro Almodóvar, firmando e regalandoci un altro capolavoro di tatto e sensibilità magnifica, pieno di risvolti mirabolanti, cambiando improvvisamente e totalmente rotta negli ultimi dieci minuti di Madres paralelas, nuovamente c’insegna che quello che conta nella vita è la vita stessa.
Il resto è solo morte, la morte vera su cui non bisogna scherzare. Ma la vita stessa, per l’appunto, è pazza di suo, inutile pianificarla, è difatti ricolma di contrattempi, di sorprese dolceamare e non, d’eventi incalcolabili che, addirittura, di primo acchito potrebbero sembrarci tragici, invece possono essere se non salvifici, perlomeno d’amare e d’accogliere, lasciandosi andare piacevolmente senza rimuginarvi e riflettervi con amarezza stagnante, episodi di vita su cui sdrammatizzare, ridere o interminabilmente piangere dirottamente.
Nel bene e nel male, questa è infatti la vita nella sua esemplare nitidezza ineludibile e Madres paralelas è forse l’essenza limpida del grande Cinema che non ha bisogno di riprese troppo sofisticate, di effetti speciali spettacolari, per illuminare di poesia la nostra stessa esistenza. Ché essa stessa è Cinema.
Cos’è, in fondo il Cinema, se non l’incarnazione di ciò che per Pedro Almodóvar è a sua volta la vita?
Cioè un viaggio squinternato e perturbante nell’animo umano, quello vero, detonante di slanci euforici immensi e poi l’itinerario di un terribile salto nei quotidiani dolori strappalacrime più magniloquenti.
Un viaggio anche nella memoria di traumi giammai risolti e della Storia, non soltanto personale, di ognuno di noi. Poiché Madres paralelas diviene, in crescendo, un commovente omaggio a tutte le vittime innocenti del regime franchista, accecandoci di stupore e sterminato dolore infinito in una meravigliosa scena che c’ha ricordato, immantinente, Schindler’s List.
Dunque, se Madres paralelas riesce a essere un drama–comedy angosciante e scoppiettante, un labirintico trip psico-emozionale dei più superlativamente potenti e al contempo un urlo di rabbia spaventosamente bello sull’uomo, sulle sue piccole o grandi tragedie e sulla stranezza imponderabile della vita, inutile dire che la parola capolavoro perfettamente gli si addice.
Penélope Cruz è già da Coppa Volpi. Sicuramente, non stiamo esagerando, possiamo inoltre già tranquillamente considerarla appartenente alla futura cinquina delle attrici che, ai prossimi Oscar, si contenderanno la statuetta.
di Stefano Falotico
IL MISTERO DI SLEEPY HOLLOW, recensione
Ebbene, oggi recensiamo lo stupendo e, purtroppo, a tutt’oggi leggermente sottovalutato, sebbene premettiamo subito che non lo consideriamo affatto un capolavoro, Il mistero di Sleepy Hollow, firmato da quel geniaccio stratosferico e mirabolante, fantasioso, eccentrico regista che risponde al nome di Tim Burton (Big Fish).
Il quale, quasi allo scoccare della mezzanotte della favola di Cenerentola, no, in prossimità del nuovo millennio, cioè a fine anno 1999, uscì nei cinema mondiali, per l’appunto, col suddetto Il mistero di Sleepy Hollow, un mystery thriller assai sui generis con forti tinte e venature orrifiche e, come sovente accade per le pellicole del cupamente onirico Burton, innestato su una magniloquente visionarietà elegantemente dark di matrice favolistica.
Prodotto da Francis Ford Coppola e dalla sua società di produzione, ovvero l’American Zoetrope, partorito dalla valente penna di Andrew Kevin Walker (Seven, Panic Room di David Fincher, prossimamente di nuovo per lui sceneggiatore di The Killer con Michael Fassbender, 8 mm – Delitto a luci rosse di Joel Schumacher) che, per l’occasione, ha adattato e reinterpretato, in forma estremamente fantasiosa e libera, il celeberrimo racconto La leggenda di Sleepy Hollow ad opera di Washington Irving, Il mistero di Sleepy Hollow, a prescindere comunque dalla sua natura letterariamente derivativa, essendo per l’appunto tratto dall’appena suddetta fiaba nera molto arcinota a livello mondiale, è vivificato dall’originalità registica del nostro Tim Burton sempre unico e personalissimo.
Il mistero di Sleepy Hollow dura un’ora e quarantacinque minuti ed è un riuscitissimo mix fantastico di Cinema per l’appunto peculiarmente fantasy a sua volta shakerato all’interno delle prospettive visivo-diegetiche di una storia avventurosa e marcatamente horror che vi terrà col fiato sospeso dal primo all’ultimo minuto, emozionandovi, spaventandovi terribilmente e perfino continuamente divertendovi non poco. Poiché Il mistero di Sleepy Hollow, al di là del suo impianto tenebrosamente ancestrale, pur essendo immerso in atmosfere spesso tetre e dunque scarsamente solari e luminose, è addirittura permeato da situazioni esilaranti quasi da slapstick comedy, è stracolmo di buffi sketch spassosi ed è quasi interamente costruito su dialoghi effervescenti, a tratti intelligentissimamente demenziali.
Insomma, è un film di Tim Burton a tutti gli effetti e, da ogni suo crisma e stilema, si nota immantinente che è una sua riconoscibilissima opus lontano un miglio.
Estrapolandovi la trama de Il mistero di Sleepy Hollow dal dizionario dei film Morandini, con alcune nostre necessarie aggiunte poiché il compianto Morando, in tal caso, si dimenticò di aggiungere, fra le parentesi, gli attori dei rispettivi personaggi del protagonista della vicenda e del suo antagonista “invisibile”, da lui menzionati.
«1799. Ichabod Crane (Johnny Depp), poliziotto di idee progressiste e di metodi razionalisti, è inviato da New York in un paesino nella valle dello Hudson per indagare su una serie di omicidi le cui vittime vengono decapitate. La voce popolare li attribuisce a un fantomatico cavaliere decollato (Christopher Walken). Giunto sul posto, mentre gli omicidi continuano, Ichabod è costretto a fare i conti con l’amore e il soprannaturale, ridimensionando il suo credo illuminista. Liberamente ispirato al racconto La leggenda di Sleepy Hollow (in Il libro degli schizzi 1819-20) di Washington Irving, sceneggiato da A.K. Walker (Seven), l’8° film di Burton è una storia di fantasmi fondata su “l’esitazione tra vero e falso, tra ciò che si offre alla vista e la sua interpretazione percettiva” (A. Di Luzio), sovraccarica di citazioni (i film Hammer, La maschera del demonio di M. Bava, Coppola, Kubrick nei 3 incubi a flashback), autoconsapevole, ma non autocompiaciuto. Ben strutturato nel far coincidere lo sguardo dello spettatore con quello del protagonista e nel suo romantico recupero del fiabesco ottocentesco, ha punti deboli nel sub–plot sentimentale e nell’enfatica colonna musicale di Danny Elfman».
Che dire, dunque?
Superbamente fotografato dal grandissimo , vincitore di tre Oscar consecutivi, ottenuti rispettivamente per Gravity, Birdman e Revenant, paradossalmente, Il mistero di Sleepy Hollow se, dal punto di vista prettamente figurativo, è cristallinamente ineccepibile, per quanto concerne invece l’andamento narrativo, difetta abbastanza. Il film, infatti, ha parecchi punti di cedimento nel ritmo e, verso la metà, può indubbiamente risultare soporifero.
Sebbene dunque l’avvolgente e plumbea fotografia crepuscolare di Lubezki doni a tale pellicola di Burton delle tonalità ammantate perfino di fascinosa morbosità paurosa, permetteteci la seguente licenza poetica, Il mistero di Sleepy Hollow si rivela, nella sua totale compiutezza, un’opera meno magica di altre di Burton, parendo difatti poco spontanea ed eccessivamente studiata e artefatta.
Malgrado ciò, rimane una perla inestimabile in quanto i notevolissimi pregi sopperiscono alle sue perdonabili lacune.
Cast strepitoso ove, oltre ai succitati Depp e Walken, risaltano le presenze dell’ex conturbante Lolita di nome Christina Ricci, Casper Van Dien, Jeffrey Jones, Michael Gambon, Miranda Richardson, la magnifica Lisa Marie (ex di Burton, Mars Attacks! docet), il folgorante cammeo nell’incipit d’un subito decapitato Martin Landau (non accreditato e indimenticato Bela Lugosi di Ed Wood), Christopher Lee.
Inoltre, in questo film, l’ex habitué di Burton e suo attore feticcio per antonomasia, naturalmente Johnny Depp, è quanto mai in parte e il suo carnato pallidissimo, al limite d’una dionisiaca bellezza spettrale e diafana quasi mortifera, grandiosamente s’intona al clima invece, al contrario, molto scuro della storia da noi vista.
di Stefano Falotico
Il CINEMA di Paolo Sorrentino
Ebbene, qualche giorno fa, tutti noi abbiamo assistito all’attesissimo teaser trailer ufficiale della nuova opus di Paolo Sorrentino, intitolata È stata la mano di Dio.
È stata la mano di Dio è un film pronto a sbarcare, assai prossimamente, in Concorso alla 78.a Mostra Internazionale d’Arte Cinematografica di Venezia ed è, soprattutto, ribadiamolo fermamente ancora, il nuovo lungometraggio di uno dei registi più discussi e al contempo più amati degli ultimi anni, per l’appunto Sorrentino.
Paolo Sorrentino, nato a Napoli (città ove peraltro è ambientato interamente il film appena succitato) nel giorno del 31 maggio del 1970, e rimasto purtroppo orfano a sedici anni.
Scrittore, regista e sceneggiatore ineccepibile il quale ha sempre orgogliosamente dichiarato che, per riprendersi dal comprensibile shock della prematura e luttuosa perdita dei suoi genitori, s’affidò nientepopodimeno che a Diego Armando Maradona:
«A me Maradona ha salvato la vita. Dall’età di due anni, chiedevo a mio padre di poter seguire il Napoli in trasferta anziché passare il weekend in montagna, nella casetta di famiglia a Roccaraso; ma mi rispondeva sempre che ero troppo piccolo. Quella volta finalmente mi aveva dato il permesso di partire: Empoli-Napoli.
Citofonò il portiere. Pensavo mi avvisasse che era arrivato il mio amico a prendermi. Invece mi avvertì che era successo un incidente. Papà e mamma erano morti nel sonno. Per colpa di una stufa. Avvelenati dal monossido di carbonio».
Una tragedia incolmabile salvata dal genio balistico dell’idolo della sua città, il sempiterno e immortale Maradona, per l’appunto, una specie di santo salvatore per ogni partenopeo verace giammai arresosi dinanzi alle dure asperità che la vita ostilmente ti pone inevitabilmente davanti.
Infatti, nel suo discorso di commosso e commovente ringraziamento in occasione della vittoria del suo celebrato e oramai celebre La grande bellezza, Sorrentino spese parole assai sentite nei riguardi del suo salvatore Maradona.
Sì, Paolo Sorrentino è l’unico regista italiano delle ultime decadi, dopo Roberto Benigni per La vita è bella (il quale sarà, neanche a farlo apposta, omaggiato col Leone d’oro alla Carriera proprio all’imminente Festival di Venezia), a essere riuscito ad agguantare la statuetta per il Miglior Film Straniero.
Traguardo rarissimo, raggiunto solamente da pochissimi e storici, grandi nomi del Cinema nostrano più pregiato, quali Federico Fellini, Elio Petri, Gabriele Salvatores, Giuseppe Tornatore, Bernardo Bertolucci. Quest’ultimo, a essere più precisi, vincitore di Miglior Regista per L’ultimo imperatore.
L’Oscar, a prescindere dalla sua effettiva e/o contestata validità, è comunque una meta ancora, checché se ne dica, grandemente agognata da ogni cineasta del mondo.
E rappresenta ovviamente un punto d’arrivo imprescindibile.
Giacché, se Sorrentino, prima del suo Oscar vinto era considerato “solo” un regista di talento, autore di opere molto belle e assai stimolanti come L’uomo in più, Le conseguenze dell’amore, L’amico di famiglia, Il divo, This Must Be the Place, ecco che con La grande bellezza ascese veramente internazionalmente nell’empireo planetario dei premiati più epocali.
E, dopo l’esperienza lavorativa con una star come Sean Penn (invero avvenuta già prima della Grande Bellezza, tanto a dimostrare che Sorrentino, ben prima di ricevere l’Academy Award, era già un nome tenuto sott’occhio da Hollywood e dintorni), ecco che il nostro Paolo poté permettersi, con Youth, di poter dirigere due mostri sacri del calibro di Harvey Keitel e Michael Caine. Lavorando poi con Jude Law, John Malkovich e un cast di nomi famosi del panorama cinematografico mondiale, per il dittico The Young Pope & The New Pope. Riscontrando e ottenendo, anche in un territorio “televisivo”, eccezionali plausi critici.
Subito dopo È stata la mano di Dio, Paolo Sorrentino, mai con le mani in mano come si suol dire, si sta già apprestando a firmare e filmare Mob Girl con Jennifer Lawrence.
Quindi, a prescindere che Sorrentino vi piaccia o meno, a dispetto di ogni possibile vostra considerazione, aleatoria o no, riguardante la sua Settima Arte, al di là delle critiche piovutegli addosso per Loro col suo immancabile Toni Servillo, tralasciando chi odia il suo Cinema, specialmente dai suoi detrattori reputato sterilmente estetizzante, troppo manieristico e furbetto, non c’è comunque niente da dire e obiettare.
Ogni nuova opera di Paolo Sorrentino è un evento e non vediamo l’ora di vedere (perdonateci il voluto gioco di parole) È stata la mano di Dio.
Sinceramente, augurandoci non solo di vedere e amare questo film, bensì di rivedere Paolo Sorrentino stringere nuovamente la statuetta all’edizione degli Oscar del prossimo anno.
In bocca al lupo, Paolo!
di Stefano Falotico
